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LAtalante (film)

Pour fuir la monotonie de sa vie au village, Juliette se marie avec Jean, un marinier. Mais la vie à bord de la péniche lAtalante est compliquée par la présence du père Jules, un vieil excentrique. Pour découvrir Paris, la grande ville, Juliette senfuit, incitée par un camelot de passage. En colère, son mari labandonne, puis plonge dans une profonde dépression. Après quelque temps, le père Jules part à la recherche de Juliette et la retrouve. Ils reviennent ensemble sur lAtalante.

                                               

LEnfant de la grande ville

Manetschka, jeune couturière, vit depuis son enfance dans la misère, et cherche à sen sortir. Elle rencontre par hasard Viktor, jeune homme, lui, à la recherche dun amour pur. Les années passent, voyant le couple se désunir. Viktor, délaissé et ruiné, finira par se suicider, dans l’indifférence de sa femme.

                                               

La Dernière Folie de Mel Brooks

Mel Funn Mel Brooks, un cinéaste hollywoodien sorti dune cure de désintoxication, tente de convaincre les responsables dun studio de cinéma de produire le premier film muet réalisé depuis quarante ans. Pour ce faire, Funn et ses amis Marty Feldman et Dom DeLuise vont approcher plusieurs acteurs connus afin que ceux-ci jouent dans leur film.

                                               

La Grève (film, 1925)

La Grève est un film soviétique de Sergueï Eisenstein, réalisé en 1924, mais sorti en 1925. Il sagit du premier film du réalisateur, qui connaît la consécration la même année avec Le Cuirassé Potemkine.

                                               

Londons Trafalgar Square

Londons Trafalgar Square est un court métrage britannique en noir et blanc et muet. Réalisé en 1890 par les pionniers du cinéma Wordsworth Donisthorpe et William Carr Crofts à environ 10 images par seconde, il montre la circulation à Trafalgar Square, à Londres. Les dix images qui nont pas été perdues sont le premier film de la capitale.

                                               

Vassili Gontcharov

Vassili Mikhaïlovitch Gontcharov, né en 1861 dans la région de Voronej, mort le 23 août 1915, est un cinéaste russe, pionnier du cinéma muet dans lEmpire russe.

                                               

Escalier de service (film, 1921)

Bertha est une bonne à tout faire chez des bourgeois. Le soir, elle rejoint son amant dans un coin obscur de la cour. Le facteur, qui habite dans un sous-sol dun immeuble voisin, regarde par le soupirail les deux amants sembrassant. Le facteur apporte régulièrement le courrier et Bertha est étonnée de ne pas recevoir de courrier de son amant. Les jours passent et Bertha reçoit enfin une lettre de son amant. Bertha est heureuse et offre à boire au facteur. Bertha se rend chez le facteur qui a déposé derrière la porte une lettre dans laquelle, semble-t-il, il linvite. Il a lair accablé et el ...

Cinéma muet
                                     

ⓘ Cinéma muet

English version: Silent film

Le cinéma muet se caractérise par l’absence de dialogues enregistrés sur un support mécanique qui permettrait leur transport dans une salle et leur audition par un public en même temps quil regarderait les images, et par l’absence sur le même support de musique et de bruits ou d’ambiances sonores. En anglais, ce sont les silent films.

Les premiers films de Thomas Edison, réalisés par son assistant, William Kennedy Laurie Dickson, de 1891 à 1895, sont tournés sans le moindre son avec le kinétographe, et présentés au public en cet état grâce au kinétoscope, appareil de visionnage individuel. Leur durée est courte: pas plus de 50 secondes.

Dès 1892, Émile Reynaud organise des projections de fictions animées sur grand écran, devant un public assemblé, qui durent beaucoup plus, jusquà 5 minutes. Ce sont les pantomimes lumineuses, les premiers dessins animés de lhistoire, dessinés directement sur la pellicule. Persuadé quun tel spectacle se doit dêtre accompagné par une musique soulignant les ambiances et expliquant les non-dits, Reynaud commande au pianiste Gaston Paulin qui les interprète à chaque séance, les premières musiques du cinéma, les premières bandes originales. Des contacts électriques, le long de sa bande image de 70 mm de large, déclenchent la frappe dun marteau, ou le tintement dune cloche. Aussi, en principe, serait-il impossible daffirmer que les projections de Reynaud de 1892 à 1900 étaient "muettes", mais la période étant ainsi nommée, le Théâtre optique de Reynaud fait bien partie de cette ère dite du cinéma muet.

Lorsque sont présentées les vues photographiques animées réalisées par Louis Lumière à partir de 1895 avec le cinématographe, la durée de chaque projection est identique à celle des films américains: 30 à 60 secondes, beaucoup plus courte que les pantomimes lumineuses. Pour couvrir le bruit de cliquetis de lappareil de projection, et détendre le public plongé dans la pénombre, les frères Lumière ont la bonne idée de faire comme Reynaud: un pianiste improvise en bas de lécran, suivant les rythmes de limage.

Le cinéma rencontre un succès grandissant. Il est encore muet, cest ainsi que lhistoire le qualifiera, mais dans les salles qui projettent les films muets sur grand écran, les séances sont loin de se dérouler dans le silence. Elles sont le plus souvent accompagnées de bruitages réalisés en direct avec des instruments ingénieux dont certains, issus de la scène, sont encore de nos jours utilisés par les bruiteurs. Le plus souvent, lopérateur qui instrumente la projection improvise des commentaires annonçant les sujets quil va passer. Durant la première décennie du cinéma, les bobineaux ne dépassent pas une minute chacun. Mais le projectionniste, déjà responsable de son stock de pellicules il présente tour à tour une dizaine de bobineaux, qui constitue le spectacle et du bon fonctionnement de sa machine, est très vite secondé par un bonimenteur qui lit le commentaire fourni avec le film, ou à défaut l’improvise.

Les films antérieurs à l’invention du cinéma sonore 1927 nont pas été qualifiés de muets par leurs contemporains, et pour cause, les dénominations cinéma muet et film muet ne datent que des années 1930, après que le cinéma sonore s’est imposé.

                                     

1.1. Le cinéma, attraction de foire et de quartier La salle de cinéma primitive

Dans les Kinetoscope Parlors, qui sont des magasins qu’on pourrait comparer aux salles de machines à sous actuelles, s’alignent des rangées de Kinétoscope, de hauts coffres en bois au sommet desquels un oeilleton permet de regarder en solitaire ou à deux des films Edison d’une durée maximale de 60 secondes. Seul s’entend le bruissement des moteurs électriques qui entraînent la pellicule mise en boucle. Mais, en 1895, Edison poursuit son rêve: coupler le son et limage. Son réalisateur, Dickson, se filme en train de jouer maladroitement un air de violon qui entraîne une valse effectuée par deux collaborateurs dEdison qui lance alors la production de quelques films accompagnés de musique que restituent des kinétoscopes contenant dans leurs flancs un phonographe qui démarre en même temps que la bande image. Mais les incidents sont nombreux et le public ne voit pas lintérêt de ce mélange. Le cinéma dit muet emporte ainsi ladhésion dun public toujours plus nombreux, malgré dautres tentatives qui resteront des curiosités sans avenir. Le cinéma restera donc muet de 1891 à 1927.

Jusquen 1908 voir plus bas Le spectacle du cinéma primitif, la durée des films augmente progressivement, atteignant couramment une dizaine ou une quinzaine de minutes on parle alors de "films dune bobine". Ils font rarement plus. Il faut attendre les années 1910, quand les films sont constitués de plusieurs séquences composées de nombreux plans, pour que les films atteignent deux, trois ou quatre bobines, et que certains dépassent une heure, ouvrant la voie aux longs-métrages. Leur présentation au public nécessite alors de doter les cabines de projection de deux machines qui fonctionnent en alternance, d’une bobine à l’autre, et assurent la continuité du spectacle. La conception avant tournage de ces films de longue durée s’appuie sur un usage direct de la littérature: des textes courts sont écrits sur des cartons doù le nom de "carton" donné à ses intertitres, puis filmés et enfin introduits dans le montage. Ils précisent un lieu, une date, une ellipse temporelle, l’état d’esprit d’un personnage, un éclaircissement de l’action, etc. Les dialogues font aussi l’objet de cartons filmés intercalés entre les plans montrant les acteurs les prononçant en silence. Le bonimenteur, engagé par le propriétaire de la salle, les lit à haute voix, mais sa présence est bientôt jugée inutile et dispendieuse, car le public - du moins ceux qui savent lire - peut en prendre connaissance et les faire partager à toute la salle, de sorte que les projections des films muets sont plutôt bruyantes.

Dans ses mémoires, Billy Bitzer, le chef-opérateur de David Wark Griffith, raconte que vers les années 1908-1915, le réalisateur "me demandait parfois d’aller avec lui au nickel-odéon pour étudier les réactions du public à nos films. C’est là, dans les salles du Lower East Side de New York que nous avons remarqué comment les immigrants apprenaient l’anglais en lisant à haute voix les intertitres des films". Au début du vingtième siècle, les nickel-odéons sont les salles populaires américaines dont le prix d’entrée modique de 5 cents une pièce en nickel permet de voir un ou plusieurs films courts. Ce sont des établissements semblables à nos petits magasins de quartier, ces salles n’ont rien de commun avec les vastes cinémas qui seront construits par la suite. On y vend des "images qui bougent", et non pas un film en particulier. Il y a des banquettes ou des fauteuils en bois, et de la place pour assister debout à la séance.

Une autre forme de ce spectacle populaire est le Phantom train ride Hales Tour, des salles décorées comme l’intérieur d’une voiture de train ce qui donne une idée des dimensions du lieu, où les spectateurs font face à un écran sur lequel sont projetés des films très courts pris de l’avant d’un train, montrant la voie qui semble filer sous leurs pieds sous des roues invisibles et faisant découvrir différents paysages à un public pour qui les voyages en train sont une exception dispendieuse. Pour agrémenter le voyage sur place, un bruiteur, dissimulé derrière l’écran, reconstitue l’ambiance sonore de la course de la locomotive, vapeur, sifflet, cloche d’alarme, et bien sûr grondement des roues. Pourquoi Phantom ride voyage de fantôme? Parce que les spectateurs de cette nouvelle invention qu’est le cinéma, ne sont pas conscients que cette image de la voie ferrée a été prise par un homme, moulinant la manivelle d’une caméra installée comme lui sur le chasse-buffle d’une locomotive, et qu’ils ont la sensation magique de voler au-dessus des rails, comme de purs esprits, comme des fantômes…

En France, les principaux organisateurs de projections de films sont des forains qui achètent au mètre les bobineaux impressionnés que leur vendent les industriels du cinéma, en complément de l’appareil de projection dont ils doivent équiper leur baraque. Le cinéma est ainsi relégué au rang de curiosité des fêtes foraines, à l’égal d’un tour de manège.

Mais qui, en fait, assiste aux projections de films? Les bourgeois sont plutôt réticents vis-à-vis de ce divertissement de seconde zone, et rechignent à se mêler au public populaire. Les premières projections du Cinématographe Lumière avaient pour spectateurs les gens riches, mais le drame de l’incendie du Bazar de la Charité en 1897, provoqué par une manipulation hasardeuse d’un projectionniste de cinéma, a fait fuir les classes aisées qui préfèrent pour le moment se tenir à l’écart. En France, comme aux États-Unis et dans le monde entier, le succès du cinéma est un succès populaire.

                                     

1.2. Le cinéma, attraction de foire et de quartier Le spectacle du cinéma primitif

Avec leur Cinématographe, les frères Lumière s’adressent à des clients aisés, capables d’acquérir cette machine qui fait caméra de prise de vue, appareil de projection avec une boîte à lumière et tireuse de copies, pour filmer leur famille et organiser à domicile des projections pour l’éducation de leur progéniture. Cette stratégie commerciale définit le choix des sujets de leurs "vues photographiques animées" c’est ainsi que Louis Lumière appelle chacun des bobineaux qu’il met en vente. Ce sont des répliques animées des "vues" fixes sur verre que les établissements Lumière commercialisent déjà.

Il s’agit de scènes caractéristiques qui retournent comme dans un miroir l’image du monde des gens riches. Citons, parmi environ 1 400 titres du catalogue Lumière, en 1896: Les Autruches du Jardin des Plantes à Paris, Départ d’un transatlantique à Marseille, Cygnes du Parc de la Tête d’Or à Lyon, Concours de boules à Lyon, Sortie de la pompe à incendie à Lyon, Carnaval de Nice 8 bobineaux, Chasseurs alpins 12 bobineaux, Londres 13 bobineaux, en 1897: Bataille de boules de neige, École de cavalerie de Saumur 28 bobineaux, une figure de carrousel par bobineau. Et pour immortaliser des évènements mondains, tels que, en 1896: Cortège du mariage du prince de Naples à Rome, Inauguration du monument de Guillaume 1 er à Berlin 4 bobineaux, Fêtes du couronnement de S.M. le Tsar Nicolas II 8 bobineaux, en 1897: Fêtes du jubilé de la Reine d’Angleterre Victoria 9 bobineaux, Voyage de M. le Président de la République Félix Faure en Russie 14 bobineaux, Voyage de M. le Président de la République Félix Faure en Vendée 20 bobineaux. Il ne faut pas oublier qu’un bobineau dure moins de 1 minute, et comprend une seule "vue", un seul plan avec un seul cadrage, les personnages vus en pied, voire dans un cadre plus large… Toutes les grandes villes sont filmées et font l’objet parfois de plusieurs dizaines de bobineaux. Le monde est ainsi découpé en multiples saynètes silencieuses, comme autant de clichés photographiques, mais qui bougent. Tous les premiers artisans du cinéma, sans exception, enregistrent des bobineaux du même type. Quand un sujet plaît au public, la concurrence se précipite pour tourner le sien sur le même sujet.

Quelques exceptions dans cette standardisation des films de l’époque sont remarquables: William Kennedy Laurie Dickson enregistre pour le compte de Thomas Edison des bobineaux où la caméra s’approche du sujet, le coupant à mi-cuisses, ce qui s’appellera plus tard le Plan américain. Utilisé dès 1891 dans le premier film du cinéma: Le Salut de Dickson Greeting, ce cadrage, jugé un peu trop intime par les puritains, est repris dans Sandow, l’homme le plus fort du monde 1894, un athlète qui expose et fait jouer sa belle musculature avec un narcissisme évident. En 1896, Dickson va même couper un personnage à hauteur de poitrine, dans L’Éternuement de Fred Ott Edison Kinetoscopic Record of a Sneeze, le premier Plan rapproché du cinéma, d’une durée de 4 secondes. L’effet recherché est le grotesque qui ravit le public populaire.

Dans ses Mémoires, David Wark Griffith rapporte une réaction amusante du public à la vue des premiers cadrages serrés au cinéma: "En voyant ces images, les spectateurs de l’un des premiers nickel-odéons poussèrent des grands cris. Ils voulaient savoir où les pieds des acteurs avaient bien pu passer!".

De son côté, un artiste qu’on qualifierait aujourdhui dinclassable, Émile Reynaud, dessine depuis 1892 des comédies peintes directement sur la pellicule, et non pas enregistrées sur une émulsion photographique, qui durent de 1 minute et demie à 5 minutes et qui rassemblent devant un écran de projection, de 1892 à 1900, quelque 500 000 spectateurs. Le réalisateur des Pantomimes lumineuses développe dans chacun de ses films un véritable récit, avec des péripéties qui se suivent selon une progression dramaturgique. Dans Autour dune cabine 1894, 1 min 50 s, l’un des deux films qui ont été miraculeusement épargnés du désespoir de leur auteur qui, après avoir fait faillite, jettera tous ses films à la Seine, le personnage du vieux beau, dédaignant une baigneuse bien en chair, tente de séduire une jolie baigneuse et l’épie dans la cabine de plage, et se voit botter les fesses par un superbe maître-nageur qui emmène la belle se baigner en sa compagnie. Quatre personnages plus un chien sont ainsi convoqués dans l’histoire, qui ont chacun leur caractérisation et leur rôle à jouer.

Les frères Lumière tournent en 1895 la première fiction photographique animée, le célèbre LArroseur arrosé, une "vue comique" comme la nomme Louis Lumière. Là encore, existe un fil conducteur qui fait de ce film une histoire complète, proche du proverbe "Rira bien qui rira le dernier", puisque le jardinier arrose 1 re action, puis surpris par l’arrêt intempestif de l’eau, ne voyant pas qu’un gamin vient d’écraser le tuyau sous son pied 2 e action, il regarde le bec d’arrosage et reçoit le jet en pleine figure quand l’espiègle libère le tuyau 3 e action, mais il attrape le farceur et lui administre une fessée 4 e action, puis reprend calmement son travail 5 e action.

Ce genre de petite comédie, au motif futile, est repris par toute la concurrence qui, en 1895, apparaît à peu près au même moment que les frères Lumière et leur Cinématographe. Ainsi, l’Anglais James Bamforth tourne A Joke on the Gardener On se moque du jardinier. Quel que soit le sujet, il s’agit toujours d’une suite d’actions dramatiques ou comiques, située dans le même lieu, filmée en un seul plan selon un unique cadrage, les personnages étant toujours vus en pied. En France, des producteurs comme Charles Pathé et Léon Gaumont, à côté des inévitables "vues" documentaires, sortie des pompiers, accostage d’un navire, passage de cavaliers, etc., développent toute une série de comédies du même type.

Quand il s’initie aux prises de vues cinématographiques, le prestidigitateur Georges Méliès les copie sans état d’âme, comme tout un chacun. C’est ainsi qu’il donne sa version de LArroseur en 1896. Mais très rapidement, il applique à ses films des recettes qu’il a éprouvées dans son théâtre de magie et dautres quil a pu apercevoir dans les films produits par Thomas Edison. Il fait ainsi disparaître et réapparaître une jeune femme, par deux arrêts de caméra et deux reprises du tournage sans bouger l’appareil, et, après deux collures pour éliminer les images surexposées des arrêts et des redémarrages, il livre son Escamotage dune dame au théâtre Robert-Houdin, réalisé en 1896, qui stupéfie le public et fait le succès de Méliès. Comme d’habitude, la concurrence s’empare de ce "truc" qui ne doit rien au music-hall et qui est spécifique du cinéma. Aussi bien Alice Guy, la première réalisatrice de films du monde, qui travaille pour Léon Gaumont, que Ferdinand Zecca, qui travaille pour Pathé Frères, et plus tard Segundo de Chomón, cinéaste espagnol passé en France chez Pathé, font apparaître et disparaître tout ce qui peut l’être dans un récit extravagant, magique ou horrifique.

Un autre sujet emporte l’adhésion du public et réconcilie le monde bourgeois, catholique dans sa majorité, avec le cinéma. Ce sont les films qui reconstituent la Passion du Christ, un scénario tragique déjà existant, au succès qui n’est plus à démontrer. Alice Guy est la première à donner sa version que la critique porte aussitôt aux nues. Chaque station du Chemin de Croix fait l’objet d’un bobineau à l’unique cadrage, d’une durée de 40 à 60 secondes chacun. "Les bobineaux sont vendus séparément, on peut acheter La Cène, Jésus devant Pilate, ou Le Crucifiement, et bouder La Résurrection. Il y a aussi L’Annonciation, L’Adoration des Bergers et des Rois mages, Le Massacre des Innocents, La Fuite en Égypte …". Les frères Lumière produisent à leur tour en 1903 La Vie et la passion de Jésus-Christ que réalise Georges Hatot. L’année suivante, Ferdinand Zecca et Lucien Nonguet réalisent pour Pathé Frères une ambitieuse Passion de Notre-Seigneur Jésus-Christ, sortie en 1904, et qui dure près de quarante-cinq minutes. Mais à cette date, le cinéma bénéficie déjà d’une nouvelle façon de concevoir les films, née en Angleterre, et les deux cinéastes français tournent leur film en appliquant timidement la nouveauté.

                                     

1.3. Le cinéma, attraction de foire et de quartier Les cinéastes inventent leur propre langage

Les cinéastes anglais à la charnière des XIX e et XX e siècles, que l’historien du cinéma Georges Sadoul regroupe sous le nom "d’École de Brighton", habitent tous la célèbre cité balnéaire au sud de l’Angleterre, où ils exercent différents métiers liés à la photographie ou au spectacle. Ils imaginent que l’on peut faire mieux que de simples bobineaux d’une minute, et ne pas se contenter de les coller les uns derrière les autres, comme le fait leur ami Méliès dès 1898. Ils s’essayent au cinéma, après avoir applaudi les séances de Robert William Paul, le premier cinéaste anglais. Ils sont eux-mêmes leurs propres producteurs, tous amis mais indépendants et seuls juges de leurs films.

Parmi eux, George Albert Smith réalise en 1900 un film comme jamais on n’en a vu auparavant: La Loupe de grand-maman Grandma’s Reading Glass. Le sujet est semblable à tous les sujets des films de l’époque ; il se résume à une seule idée: un enfant observe autour de lui à l’aide de la loupe de sa grand-mère. Fait par un autre cinéaste, cela donnerait un film plutôt ennuyeux. On verrait le gamin s’activer autour de son aïeule, dans une prise de vue unique montrant la scène en pied. Mais George Albert Smith comprend que rien ne l’empêche de faire ce que les autres ne font jamais: il intercale dans cette action banale des prises de vue qui montrent les objets ou les êtres qu’observe l’enfant. Une nouveauté que lon appellera plus tard gros plans. Ce qui donne:

  • retour au cadrage large, l’enfant se tourne vers sa grand-mère,
  • gros plan de l’oiseau dans sa cage à travers la découpe,
  • retour au cadrage large, lenfant aperçoit un chaton dans le panier à couture,
  • cadrage moyennement large montrant l’enfant et sa grand-mère,
  • gros plan de la montre de la grand-mère, vue à travers une découpe ronde en forme de loupe,
  • retour au cadrage large, l’enfant vise une cage d’oiseau,
  • gros plan du chaton à travers la découpe ronde,
  • gros plan drolatique de l’oeil de la grand-mère, qui riboule dans tous les sens,
  • retour au cadrage large.

L’alternance qu’obtient George Albert Smith est une nouveauté pour le cinéma, et plus encore c’est un énorme bond en avant dans la manière de raconter une histoire par les images animées, basé sur ce qui cesse d’être un bobineau isolé une montre, un oiseau et devient un plan, l’unité filmique du cinéma, qui se combine avec d’autres plans dans une succession qui ne relève plus du simple bout à bout mais du montage, c’est-à-dire d’une succession de plans qui crée un nouveau sens. Ce type de montage, qui devient la base du récit au cinéma, sappellera le montage alterné. "Cette alternance du gros plan et des plans généraux dans une même scène est le principe du découpage. Par là, Smith crée le premier véritable montage". Mieux encore, George Albert Smith réalise dans ce film les premiers plans subjectifs du cinéma, puisque les divers gros plans représentent ce que voit le jeune garçon.

Ce langage n’est pas une figure de montage, car les cinéastes doivent, avant ou pendant le tournage, prévoir chacun des plans qui vont être comme un puzzle à reconstituer au montage. Cette prévision des plans à tourner est ce que l’on appelle aujourd’hui le découpage technique, un document écrit indiquant la somme des prises de vues à effectuer, parfois complété, voire remplacé, par des dessins donnant le cadrage de chaque plan, le story board.

Cette découverte, nous la devons à George Albert Smith.

En 1901, Ferdinand Zecca réalise pour Pathé Frères un film où la loupe est remplacée par le trou de la serrure. Le sujet est aussi mince que Grandma’s Reading Glass: le domestique d’un hôtel épie la clientèle par le trou de la serrure, et se délecte ainsi à la vue d’une jeune femme à sa toilette, se réjouit du médianoche d’un couple autour d’une bouteille de champagne puis grimace de surprise en découvrant qu’une belle blonde est en réalité un homme qui ôte sa perruque. Il n’en voit pas plus car un client l’aperçoit en train dépier et entreprend de le tabasser, en possible référence de la fin d Autour d’une cabine, le film dÉmile Reynaud. Là encore, le découpage en plans est conduit par le motif même du film: alternance du plan large montrant le domestique sur un palier, et des plans de ses victimes vues à travers une découpe en forme de serrure.

Il ne faut pas longtemps aux Anglais, aussitôt imités par Zecca, pour comprendre qu’il n’est nul besoin d’un prétexte pour montrer diverses actions se succédant dans le récit en images d’une histoire, quelle qu’elle soit. Ils lancent alors un thème encore jamais utilisé dans le cinéma: les poursuites Chase Films, toutes tournées en extérieur dans les rues ou en pleine nature. La poursuite nécessite, pour être appréciée par le public, de se dérouler pendant un certain temps: l’attrapera-t-il ou pas? La multiplication des plans, et donc la possibilité de lieux différents, permet cette élongation du temps, ce que nous appelons aujourd’hui le suspense, qui date de cette époque 1901. Comme d’habitude, Ferdinand Zecca comprend immédiatement les innombrables possibilités qu’ouvre le découpage en plans et les applique à son tour, diffusant cette méthode de récit dans le monde entier puisque Pathé Frères, pour qui il travaille, devient l’une des plus puissantes sociétés de production de la planète, préférant sortir ses films d’abord aux États-Unis, avant la France, afin qu’ils reviennent en Europe portés par leur succès outre-Atlantique.

Le découpage en plans est un tournant décisif pour le cinéma. Il permet d’augmenter la durée des films. Et, après que David Wark Griffith ose utiliser pour la première fois au cinéma la technique romanesque de la succession d’actions différentes, dans des lieux différents, mais racontant une partie du même récit, en quelques années les autres cinéastes lui emboîtent le pas et la durée des récits racontés dans les films augmente considérablement. L’ère des longs-métrages est ouverte, le cinéma atteint son âge adulte, il est muet mais il possède déjà son propre langage.



                                     

2.1. L’âge d’or du cinéma muet Le modèle littéraire

L’année 1908 marque plusieurs étapes dans les progrès du cinéma. C’est effectivement celle du premier film de Griffith, Les Aventures de Dollie, dans lequel, par une intuition qu’on peut qualifier de géniale, le cinéaste débutant importe de la littérature sa capacité à faire alterner les récits à l’intérieur d’une même histoire, racontant les unes après les autres les péripéties liées à chacun des personnages de cette histoire. Ce qui suppose d’écrire un scénario. À l’époque, Georges Méliès est le premier à rédiger des notes précises avant de tourner, ses films utilisent la plupart du temps des trucages, l’arrêt de caméra par exemple, qui l’obligent à prévoir minutieusement les étapes de ses substitutions ou disparitions ou réapparitions. Mais les récits eux-mêmes sont très linéaires et lapidaires. Quand Griffith débute dans le cinéma, c’est pour écrire, à 5 $ l’unité, des sujets de films, quelques lignes que l’on appelle aujourd’hui l’argument. Ainsi, "un bébé est emporté dans son nid par un aigle, le père escalade la falaise et récupère son enfant" est un motif de films que va tourner l’un des réalisateurs vedettes de l’Edison Manufacturing Company, Edwin Stanton Porter Sauvé du nid dun aigle, 1908. C’est même ce film qui va décider de la carrière de Griffith. Il se propose en effet de jouer le rôle du père, et de descendre en rappel dans le nid de l’oiseau. C’est ce qu’on nommera plus tard une cascade, à laquelle Griffith n’est pas spécialement préparé, mais il est décidé à jouer son va-tout. Le film est un succès et la Biograph Company, le principal concurrent d’Edison, lui offre de réaliser son premier film, Les Aventures de Dollie. Griffith prend très au sérieux la préparation écrite de ce film. Il travaille avec un opérateur qui deviendra par la suite son chef-opérateur attitré, Billy Bitzer voir supra "La Salle de cinéma primitive", qui, au cours d’une longue discussion sur le projet de Griffith, note au dos d’une carte de blanchisserie, les données de l’histoire, vues sur le plan de la dramaturgie:

Ce qui donne un synopsis établi comme suit. Un couple et leur fillette, Dollie, passent un week-end dans leur maison de campagne. Rires et jeux. Tandis que le père entreprend la lecture de son journal, la mère et sa fille vont se promener sur la berge de la rivière qui coule non loin de la maison, où pêchent deux garçons. Un bohémien les rejoint, offrant à leur vendre des paniers. La mère dédaigne son offre, il insiste, elle le repousse. Dépité, il tente alors de lui dérober son sac à main. Elle crie. Le père arrive fort en colère, son journal roulé à la main comme une matraque, et le frappe. Le bohémien rompt le combat. La famille revient devant leur maison, et le père joue au badminton avec Dollie. Le bohémien a rejoint sa roulotte où son épouse prépare la soupe. Pleutre, il lui montre les traces invisibles des coups reçus, et il a soudain une idée quil explique à son épouse en faisant un geste de la main, révélateur, qui désigne la hauteur de la fillette. Son épouse proteste, et elle reçoit en retour une gifle. Devant la maison, le père est appelé par le jardinier et Dollie se retrouve seule. Le bohémien sapproche avec prudence, puis la bâillonne et lemporte sur son dos. Retour à la roulotte. Le bohémien enferme la fillette dans un tonneau. Pendant ce temps, la mère et le père saperçoivent de la disparition de Dollie. Le père appelle le jardinier et tous deux partent à la recherche de la fillette. Quand ils arrivent au camp, ils fouillent partout. Le bohémien les regarde avec mépris, assis sur le tonneau. Les deux hommes poursuivent leurs recherches plus loin. Les bohémiens lèvent le camp, le tonneau arrimé à la roulotte. En passant à gué la rivière, ils perdent le tonneau sans sen apercevoir. Celui-ci est entraîné par le courant, franchit une petite cascade, un rapide, puis vient séchouer sur la berge. juste en face de la maison familiale. Les deux jeunes pêcheurs le tirent de leau. Le père arrive, il se penche pour écouter un bruit qui provient de lintérieur du tonneau, il louvre: Dollie se lève. La famille est de nouveau réunie.

Ce script peut faire sourire le lecteur d’aujourd’hui, mais en fait, ce texte permet à Griffith d’envisager chaque péripétie comme faisant partie d’un tout. On comprend intuitivement en lisant ce synopsis et en voyant le film que chaque "scène" qui se déroule dans un lieu différent est liée aux autres scènes par une temporalité qui permet de dire par exemple: pendant que le père recherche sa fille avec le jardinier, le bohémien enferme Dollie dans un tonneau ; pendant quil cache Dollie, le père et le jardinier parcourent la campagne ; pendant quils recherchent Dollie, le bohémien sassied sur le tonneau pour donner le change, etc. Cest ce quon appelle les "actions parallèles", qui ne sont pas des effets de montage comme on a tendance à le croire, mais une prévision dès le script, mise en éléments par le tournage, et seulement entérinée par le montage. Cette alternance nexistait pas au cinéma avant que Griffith fasse son premier film. La continuité des récits était seulement chronologique: le personnage fait ceci, puis il fait cela, ensuite il rencontre un autre personnage, ils font alors cela, puis ils font autre chose, etc.

Dautre part, on note que le cinéaste a supprimé la partie "éléments comiques" que Billy Bitzer et lui avaient prévue, car lenlèvement ne peut être pris à la légère. Pour atténuer la violence de la réaction du père à la tentative de vol à l’arraché, Griffith ne l’arme pas d’un fouet, comme prévu, mais de son innocent journal du week-end qu’il roule en matraque arme par destination en droit français. De même, ce ne sont pas les garçons, silhouettes secondaires, qui ouvrent le tonneau, mais le père lui-même, ce qui le met aux premières loges dans le dénouement. Ce souci de mettre les personnages principaux dans des actions signifiantes est ce qui différencie Griffith d’un Georges Méliès, dont le principal souci est de mener la farce à son paroxysme au travers de gesticulations qui demeurent simplistes et mécaniques.

                                     

2.2. L’âge d’or du cinéma muet Lindustrie du cinéma

Dans les années qui suivent, le même souci de création qui préexiste au tournage, dans la rédaction dun scénario, se répand chez tous les cinéastes, en même temps que les films augmentent leur durée grâce à la complexité nouvelle des récits. Le comédien, cinéaste et producteur Thomas Harper Ince estime même qu’il faut être encore plus précis et prévoir avant le tournage comment seront filmées les séquences, le nombre de plans quelles comporteront, leur cadrage, leur durée… Cette façon de faire va permettre au cinéma dadopter des récits toujours plus élaborés. Thomas Ince est à lorigine dun genre de films tout de suite adopté par les spectateurs américains et par la suite du monde entier: le western. La multiplicité des plans permet de valoriser les galopades dans des décors sauvages près de Santa Monica, où Ince installe ses studios. Le cinéaste perfectionne ce que dautres ont découvert ; il utilise le suspense, bien épaulé en cela par son comédien vedette, William S. Hart, quil décide de passer à la réalisation. Hart met en scène des westerns dont les personnages sont très élaborés, et la personnalité du héros est parfois même particulièrement noire, même si une rédemption miraculeuse - généralement sous linfluence dune femme - intervient à la fin, comme dans The Aryan Pour sauver sa race, sorti en 1916.

Les films produits par Thomas Ince coïncident avec lémergence de Hollywood, un village qua découvert Griffith en 1910 pour y tourner un film de 17 minutes, In Old California. Là, dans des décors naturels extrêmement variés, le cinéma américain se développe, et profite, il faut bien le souligner, du conflit qui ensanglante lEurope de 1914 à 1918, et qui repousse la pacifique production de films loin derrière la production darmes, devenue prioritaire. Les cinéastes américains vont ainsi pouvoir expérimenter encore plus les possibilités de leur art, et simposer par la suite. Mais ce nest pas à Hollywood que Griffith tourne en 1914 son immense succès, Naissance dune nation, qui devait au départ sintituler comme le roman qui inspire le réalisateur: The Clansman, lhomme du clan, un hommage douteux de Thomas F.Dickson Jr au Ku Klux Klan. Le film dure plus de trois heures, et comporte en son milieu un entracte Intermission en anglais. Sa composition scénaristique ne doit rien au roman The Clansman, elle est loeuvre de Griffith lui-même. La technique de lalternance des séquences, quil a mis au point dès son premier film, est poussée très loin. Lenchevêtrement des différents récits, qui font partie cependant de la même histoire familiale, dresse en même temps le tableau complexe dun pays divisé par la grande Histoire. Malgré son insupportable discours raciste, on peut dire que ce film ouvre en grand lépoque du cinéma adulte, capable désormais de dérouler nimporte quel récit, aussi compliqué soit-il.

                                     

3. Films muets modernes

En 1976, Mel Brooks réalise La Dernière folie de Mel Brooks, un long-métrage en couleur, mais presque entièrement muet, la seule réplique "audible" étant "non", un "non" prononcé par le mime Marceau, lequel napparaît dans le film que pour cette réplique. En 1989, Charles Lane réalise et interprète Sidewalk Stories film muet en noir et blanc. En 1999, Aki Kaurismäki réalise Juha, un remake muet dun classique du cinéma finlandais. On peut toutefois y entendre chanter, en français, Le Temps des cerises de Jean-Baptiste Clément. En 2011, Michel Hazanavicius réalise The Artist, un film qui a recours à certains procédés du muet intertitres mais qui utilise avec abondance la musique, et, à la fin, des bruits et quelques répliques qui le classe sans ambiguïté dans le cinéma sonore. Sa relation avec le muet est surtout forte dans son thème: le passage douloureux du cinéma muet au parlant dun comédien célèbre. Ce dernier film remporte 5 Oscars.

                                     

4.1. Les grands noms du cinéma muet, principaux films Principaux films par ordre alphabétique

  • LOpérateur titre original: The Cameraman dEdward Sedgwick 1928
  • Les Rapaces Greed dErich von Stroheim 1924
  • Nosferatu le vampire Nosferatu, eine Symphonie des Grauens de F.W. Murnau 1922
  • Intolérance Intolerance: Loves Struggle Throughout the Ages de DW. Griffith
  • La Chair et le Diable Flesh and the Devil de Clarence Brown 1926
  • LInconnu The Unknown de Tod Browning 1927
  • La Loupe de grand-maman Grandmas reading glass de George Albert Smith 1900, découverte du découpage technique en plans, du Gros plan et du plan subjectif
  • Fantômas de Louis Feuillade 1913
  • The Penalty de Wallace Worsley 1920
  • Le Vol du grand rapide The Great Train Robbery dEdwin Stanton Porter 1903, considéré comme le premier western au cinéma
  • Le Voyage dans la lune de Georges Méliès 1902
  • Danse du papillon Serpentine Dance de William Kennedy Laurie Dickson 1894, premier film teinté à la main
  • Au temps de la chevalerie titre original: When Knighthood Was in Flower de Robert G. Vignola 1922
  • Le Cuirassé Potemkine Bronenosets Potyomkin de Sergueï Eisenstein 1925
  • The Kid de Charles Chaplin 1921
  • Au feu! de James Williamson 1901, le film qui inspira Griffith
  • LArrivée dun train en gare de La Ciotat de Louis Lumière 1896, première utilisation de la diagonale du champ
  • LÉtroit Mousquetaire The Three Must-Get-There de Max Linder 1922
  • À travers lorage Way Down East de David Wark Griffith 1920
  • Le Cheik The Sheik de George Melford 1921
  • Cabiria de Giovanni Pastrone 1914
  • L’Aurore Sunrise: A Song of Two Humans de Friedrich Wilhelm Murnau 1927
  • Le Trésor dArne Herr Arnes pengar de Mauritz Stiller 1922
  • Les Dix commandements The Ten Commandments de Cecil B. DeMille 1923
  • La Chute de la maison Usher de Jean Epstein 1928
  • The Story of the Kelly Gang de Charles Tait 1906, peut-être le premier long-métrage de fiction
  • LAffaire Dreyfus de Georges Méliès 1899
  • La Passion de Jeanne dArc de Carl Theodor Dreyer 1927
  • Démolition et reconstruction du Star Théâtre New York 1901, premier grand accéléré 770 fois
  • La Sortie de lusine Lumière à Lyon de Louis Lumière 1895, le premier film du Cinématographe des frères Lumière
  • Escamotage dune dame au théâtre Robert-Houdin de Georges Méliès 1896, reprise française de larrêt de caméra découvert par les Américains
  • Le Mécano de la "General" The General de Buster Keaton 1927
  • Combat acharné de deux braconniers Desperate Poaching Affray de William Haggar 1903
  • LArroseur arrosé de Louis Lumière 1895, première fiction photographique animée
  • La Fée aux choux dAlice Guy 1896, le premier film de la première réalisatrice du cinéma
  • Life of an American Fireman La Vie dun pompier américain dEdwin Stanton Porter 1903, le premier flash-forward du cinéma
  • Le Dernier des hommes Der Letzte Mann de F.W. Murnau 1924
  • La Croisière du Navigator The Navigator de Buster Keaton 1924
  • Napoléon dAbel Gance 1927, un florilège sans précédent de mouvements de caméra
  • Nanouk lEsquimau Nanook of the North de Robert Joseph Flaherty 1922, le premier docu-fiction du cinéma
  • Pauvre Pierrot dÉmile Reynaud 1892, le premier dessin animé du cinéma
  • Ben Hur Ben-Hur: A Tale of the Christ de Fred Niblo 1925
  • Le Cabinet du docteur Caligari Das Cabinet des Dr. Caligari de Robert Wiene 1920
  • Quo vadis? de Enrico Guazzoni 1912
  • La Jeune Fille au carton à chapeau de Boris Barnet 1927
  • Le combat de Corbett et Fitzsimmons dEnoch J.Rector 1897, le premier long-métrage du cinéma documentaire 100 minutes
  • La Grande Parade The Big Parade de King Vidor 1925
  • Loulou Die Büchse der Pandora de Georg Wilhelm Pabst 1929
  • Koenigsmark de Léonce Perret 1923
  • De la crèche à la croix titre original: From the Manger to the Cross de Sidney Olcott 1912
  • La Ruée vers lor The Gold Rush de Charles Chaplin 1925
  • Un chien andalou de Luis Buñuel 1929
  • LAssassinat du duc de Guise dAndré Calmettes et Charles Le Bargy 1908
  • Entracte de René Clair 1924
  • Les Vampires de Louis Feuillade 1915
  • Attaque dune mission en Chine de James Williamson 1900, le premier champ/contrechamp
  • Metropolis de Fritz Lang 1927
  • Le Voleur de Bagdad The Thief of Bagdad de Raoul Walsh 1924
  • Une bouchée extraordinaire titre original: The Big Swallow de James Williamson 1901, le premier très gros plan du cinéma
  • Forfaiture de Cecil B. DeMille 1915
  • Folies de femmes Foolish Wives dErich von Stroheim 1922
  • La Coquille et le Clergyman de Germaine Dulac 1927
  • Le Salut de Dickson titre original: Dickson Greeting de William Kennedy Laurie Dickson 1891, le premier film du cinéma
  • Le Cirque The Circus de Charles Chaplin 1928
  • La Sorcellerie à travers les âges Häxan de Benjamin Christensen 1922
  • LÉternuement de Fred Ott Edison Kinetoscopic Record of a Sneeze de William Kennedy Laurie Dickson 1894, le premier plan rapproché du cinéma
  • LHomme à la caméra Человек с киноаппаратом de Dziga Vertov 1928, un condensé unique de tous les moyens dexpression du cinéma muet
  • LExécution de Mary, reine des Écossais de William Heise et Alfred Clark 1895, le premier trucage du cinéma par arrêt de caméra
  • Monte là-dessus! Safety Last! de Fred C. Newmeyer et Sam Taylor 1923
  • La Charrette fantôme Körkarlen de Victor Sjöström 1921
  • Panorama de Venise, vu du Grand Canal dAlexandre Promio 1896, le premier travelling du cinéma
  • LArgent de Marcel LHerbier 1928
  • La Bête sur la baie de D.W. Griffith 1912
  • Autour dune cabine dÉmile Reynaud 1894
  • La Légende de Gösta Berling de Mauritz Stiller 1924
  • La Foule The Crowd de King Vidor 1928
  • Naissance dune nation Birth of a Nation de D.W. Griffith 1915
  • Le Passant dOscar C.Apfel 1912, le premier travelling "psychologique" du cinéma
  • Fantasmagorie dÉmile Cohl 1908, le premier dessin animé sur film argentique
  • Le Baiser de Rice-Irwin titre original: The Kiss de William Heise 1896, le premier film à scandale
  • Les Aventures de Dollie de David Wark Griffith 1908, le premier film présentant des actions parallèles
  • Histoire dun crime de Ferdinand Zecca 1901, le premier flashback du cinéma
  • Docteur Mabuse le joueur Dr. Mabuse, der Spieler de Fritz Lang 1922


                                     
  • Festival international de cinéma muet mis en musique est un festival organisé par l Association Culturelle Strade del Cinema et dirigé par Enrico Montrosset
  • Écrits pour le cinéma Le muet et le parlant est un recueil formé de trois ciné - poèmes  inauguraux aux articles critiques sur le cinéma ainsi que de
  • désigne les films d après 1926 - 27, les opposant à la période du cinéma muet films muets Elle est ainsi nommée depuis l avènement du son enregistré sur
  • ajouter mes sources ? Le Festival d Anères, cinéma muet et piano parlant est un festival consacré au cinéma muet qui se tient chaque année à la Pentecôte
  • principales responsabilités du chef décorateur. Les premiers plateaux de cinéma muet étaient des pièces constituées de trois murs, sans plafond ou avec un
  • fr Petter Stensby, Cinéma muet norvégien : le début  1895 n 11, décembre 1991, p. 79 fr Gunnar Iversen, Cinéma muet norvégien : l époque pionnière 
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  • fr en Le cinéma au Québec au temps du muet Cinema in Quebec in Silent Era, 1896 - 1930 fr en Le cinéma au Québec au temps du parlant Cinema in Quebec
  • 1977 Festival de cinéma Arsenāls 1986 - 2012 Cinéma muet letton  lv 1920 - 1931 Sur le site lettonie - francija.fr Portail du cinéma Portail de la Lettonie
  • actrice muette à Hollywood Assumpta Serna : Une actrice muette à Hollywood Martin Sheen : Un acteur muet à Hollywood Harry Dean Stanton : Un acteur muet à Hollywood
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